画面的处理有哲学性

　　美国著名水彩画家弗兰克？韦伯说过：“一个成熟的画家要懂得补充眼睛所看到的和看不到的东西。初学者作画时几乎完全依赖模特或实景，而成熟的画家则是侧重于表现对模特儿和对实景的理解。”

　　当去写生时，眼睛所看到的第一感受是风景之美。如果我们把眼前的美景经过分割再去观察，每个局部并不一定都具有美感，它们之间不是都和谐，有时甚至会生硬和冲突。那就需要画家把眼前的景物只作为媒介，经过去其不美的部分加以整理统一，使景物能够在画面中产生出实实在在的悦心之美。在画面上，色彩、形象都服务于“趣味中心”的布局，“也就像一章乐谱里的每个乐符，都应服务于一个来自于现实，又比现实饶有趣味的美”。水彩画的创作过程应该是一个把现实演变成幻想中理想的过程，而不是一个自然景物抄件。

　　评判艺术的最佳视角应该是构图与表达

　　一幅好的作品很象一台精彩的戏剧演出，主题突出，主次分明，既有主角，也有配角，所表达的形象很完美。但艺术作品不必去讲述一个尽善尽美的故事。艺术的美是让人们从视觉上产生赏心悦目的感受。正如美国画家弗兰克？韦伯所说：“它的存在仅仅起了观赏作用。在观赏中，观者看到画家对现实的诠释和升华，通过它，观者得以窥视画家心中与理想化的和谐之空间。”

　　中国画画面的艺术处理称经营位置。水彩画画面处理则称之为构图。好的构图能够直接体现画家的艺术修养。一个好的艺术作品在画面中它只能有一个“趣味中心”，这个“趣味中心”有的人称它为“画眼”——也就是画面中最重要的、最主要的、最能感染人的地方。画面其它的部分必须服务于这个“趣味中心”。徐悲鸿先生曾讲过，画面要做到“尽精微，致广大。”我理解也是这个道理，那么把“趣味中心”做到“尽精微”就必须多加思考，怎样用线条、明暗、色彩在画面中做合理的安排与组合，调动画面中的一切因素，围绕“趣味中心”并为它服务。当然，一幅画总体的基调也很重要，尤如一首乐曲，好听的音符与和谐的旋律也是紧紧地为曲谱的主色调服务的。

　　关于色调

　　光感是在水彩画面很重要的表达情感的因素。它不但能够显现景物的色彩，也能改变景物的色彩。光感还能够明确地表达出作品体现的时间、天气及季节，能产生出某种气氛和特殊的情调。

　　自然界的光千变万化，通常用侧光、逆光，对空间的表达充分。要把握画面的主观色调，即是暖色、冷色；是鲜色调还是灰色调；在处理色调时，那就要极为小心谨慎。为了大色调的整体统一，不必强调局部颜色冷与暖的跳跃感，而是力求色彩的沉稳与含蓄，把光与景统一在整体中。同时利用水彩颜色的透明性，摒弃自然界中现实色彩的真实，而强化画面上主观色彩的情调、色相的控制。水彩画画面的鲜亮是靠灰色来衬托的。水彩色中的灰色也可以画的透明，如群青与赭石、钴蓝与熟赭、普蓝与生褐、朱红与群青等等都可以调出灰色，若调配中的水份把握的好，所调出十分理想的灰色，还自然具有冷暖的倾向，透明色彩运用的好，柔美的灰色调也会带来意想不到的效果。

　　水彩技法语言最重要的是水的运用

　　“透明”是传统水彩画的一个重要特征，也是区别于其他画种而独有的审美标志。水彩画透明效果的构成除用色、选择纸张，水的运用至关重要。水是水彩画不可缺少的媒介材料和调和剂。传统水彩画技法也可以讲是以水为核心的技法。如何控制好水在画面中的运用在水彩画技法中有着最重要的地位。色的明度、纯度、色的鲜与灰、深与浅，在用水上都有着大学问。运用好水份，可以使画面或明快、或艳丽、或沉稳、或朦胧。不同的画纸在与水的作用下会产生出的不同的水迹及笔痕。水迹、笔痕、以及多样的肌理效果的构成与创造都体现出水彩画特有的形式美感。

　　学会运用纸的白色

　　好的创作构图中往往其黑、白、灰关系是很明确的。画面中色彩的构成，对深色、中间色、浅色和白色都要作认真的思考并深思熟虑。看黑白版画，黑与白大的对比会带来强烈的视觉效果，能使人精神振奋，而水彩画大色块；特别是对最深色块的处理也有着严谨的科学性。再讲留白，对水彩画也特别重要。画天空、草地、水的波纹，用大笔挥洒留下的点点白色、用笔不同方向的皴擦，产生多样的留白肌理，把自然的留白、虚边和硬边的有机组合必能取得画面中意想不到的效果。画面的留白也会产生强烈的阳光感。